흑인문화, 스트리트 문화란 무엇인가요?
흑인 문화를 이야기할 때 먼저 미국에서 '흑인'이라는 단어의 변화를 살펴볼 수 있고, 흑인들의 지위 변화도 엿볼 수 있다. 원래 흑인들이 노예였을 때 흑인은 "니그로(Negro)"라고 불렸습니다. 이 단어는 원래 스페인어이며 "검은색"을 의미합니다. 스페인어에서는 이 단어가 칭찬도 경멸의 의미도 없이 중립적이지만, 영어에서는 "nigger"를 의미하는 경멸적인 단어가 되었습니다. 이후 미국은 노예제도를 철폐하면서 흑인들이 점차 시민의 지위와 권리를 얻게 되었고(이 과정은 꽤 길었고 유혈사태도 많이 겪었다) 흑인들을 '흑인'이라 불렀다. 하지만 이 단어에는 여전히 강한 차별적 의미가 담겨 있다는 지적이 많아지면서(즉, 흑인과 백인은 모두 인간인데 왜 피부색을 지적해야 하는가? 동양인을 '황인'이라고 부르는 것처럼, 우리도 불편할 것입니다.) 그래서 미국의 흑인을 지칭하는 "African-American"이라는 새로운 단어가 생겼고, 문자 그대로 번역하면 "African-American"이 됩니다(이 사용법은 다른 인종에도 적용됩니다. 예를 들어, 미국에 있는 중국인을 중국계 미국인이라고 부를 수 있습니다. 그래서 지금도 사람들이 흑인을 묘사하기 위해 흑인이라는 단어를 사용하는 것을 가끔 듣긴 하지만 대부분의 사람들은 아프리카계 미국인만을 사용합니다. 대화에서 흑인을 언급할 경우 처음 두 단어, 특히 흑인을 사용하지 않는 것이 가장 좋습니다. 흑인은 인종차별주의자나 민족주의자라고 생각하게 만들 수 있습니다.
흑인하면 가장 많이 떠오르는 것이 아마도 흑인 음악일 것이다. 재즈부터 리듬 앤 블루스(R n'B), 랩까지 미국 음악에 대한 흑인의 기여는 정말 대단합니다. 1990년대에는 랩을 랩이라고 불렀는데 지금은 힙합이라고 부르는 것 같아요. 힙합은 흑인들 사이에서만 인기가 있는 것이 아니라 백인들, 특히 백인 젊은이들에게도 사랑을 받습니다. 랩 음악은 주로 말하기를 기반으로 하기 때문에 미디어의 막강한 힘을 통해 흑인의 언어도 백인 젊은 층의 언어로 유입된 것입니다. 이는 서브컬처가 주류에 미치는 영향을 가장 잘 보여주는 사례라고도 할 수 있습니다. 문화.
사실 엄밀히 말하면 힙합은 히피 문화가 쇠퇴하던 1970년대 초에 등장한 문화 카테고리다. 물론 그 초기의 기원은 아프리카 음악으로까지 거슬러 올라갈 수 있지만, 1970년대 힙합 문화의 출현은 사실 갱 폭력의 연장이었고, 랩 음악보다 더 폭넓은 내용을 담고 있었다. 일반적으로 힙합에는 세 가지 측면이 있습니다. 첫 번째는 랩, 즉 랩 음악입니다. 두 번째는 브레이크 댄스, 즉 스트리트 댄스이다. 마지막 측면은 그래피티 아트, 즉 그래피티 아트입니다.
거리에 있는 거의 모든 예술이 거리 문화가 될 수 있습니다. 현대의 거리 문화는 1970년대에 발달하여 특히 스트리트 패션이 유행했던 미국과 유럽을 중심으로 형성되었습니다. 미국, 스트리트 음악 RAB RAP(랩 음악), 록 음악 등의 등장 스트리트 댄스, 스케이트보더, 롤러스케이트도 있습니다. 이와 함께 스트리트웨어, 그래피티 등도 등장했습니다.
오늘날의 스트리트 문화는 전통을 깨고 과장된 의상을 입는다. 이미지는 특성을 강조합니다. 이러한 특징으로 인해 젊은이들 사이에서 인기가 높아지며 전 세계적으로 빠르게 확산되고 뿌리를 내리고 있습니다. 우리 아시아에서는 일본과 한국에서 랩 그룹이 처음 등장했고, 그 다음에는 힙합 댄스 그룹이 등장했고, 이어서 합창과 단순한 어려운 동작을 기반으로 한 랩 그룹도 등장했습니다.
중국도 1990년대 후반 한국과 일본의 영향을 받아 힙합과 댄스그룹을 경험했다. 특히 2000년대에는 거의 모든 지방에서 스트리트 문화가 등장했다. 그리고 특히 대만과 홍콩에서는 스트리트 웨어를 좋아하는 사람들이 많습니다. 힙합은 학생들이 가장 먼저 선택하는 스포츠이자 댄스가 되면서부터 중국 본토의 스트리트 문화는 젊은이들에게 사랑을 받아왔습니다. 인기를 얻었습니다. 하이난에서는 상대적으로 늦게 발전했다고 볼 수 있다. 2년 동안 개발되었지만. 하지만 아직은 미성숙합니다.
스트릿 문화의 구성:
의류
오버사이즈 의류는 힙합 문화의 고전적 스타일이라 할 수 있다.
이러한 착용 방식의 유래는 힙합 문화의 유래와 밀접한 관련이 있다고 합니다. 힙합 문화는 1970년대 초 미국의 흑인, 유대인, 멕시코인 및 기타 유색 인종에 의해 발전한 것으로 밝혀졌습니다. 당시 미국 유색인종의 경제 상황은 백인만큼 좋지 않았지만, 이들 아이들이 너무 빨리 옷을 벗는 것을 막기 위해 백인보다 자녀를 더 많이 낳았다. 더 큰 사이즈의 티셔츠를 구입했습니다. 힙합도 무겁고 문화적이고 스포츠적인 분위기가 있고 헐렁한 옷이 훨씬 더 편리합니다.
힙합 웨어의 전체 그림은 넓지 않습니다. 여전히 세분화에 차이가 있습니다. 스케이트보드를 타는 친구들은 스포츠를 할 때 더 편안하고 마모에 강한 스케이트보드 신발을 선호합니다. DVS, PTS, VOLCOM, EXPEDITION, DC 등 스케이트보드 브랜드 의류와 매치하면 모두 스케이트보드 스포츠 제품의 유명 브랜드다. 힙합 10대들은 나이키, 아디다스 등 스포츠 브랜드의 심플한 운동화를 즐겨 입는다. 깔끔하고 깔끔한 스타일 중 아디다스 신발은 플로어 동작을 하는 댄서들에게 가장 인기 있는 신발입니다. 스트리트웨어 브랜드 중에는 ESDJ, TRIBAL, JOKER, FUBU 등이 있습니다. 브랜드 의류는 Tommy Hilfiger, POLO Sport입니다. , Nautica, OAKLEY 및 스포츠 브랜드 Nike, Adidas도 댄서들 사이에서 인기 있는 브랜드입니다.
그래피티
그래피티(Graffiti)는 미국 일부 주택가의 골목길이나 지하도, 지하철역 등에서 흔히 볼 수 있는 거리 낙서이다. 그래피티 보이즈는 자신의 생각과 생각을 표현하거나 갱단의 영역을 구분하기 위해 스프레이 페인트로 벽에 그림을 그리는 것이 1960년대 후반부터 점차 일종의 거리 예술로 자리 잡았다.
그래피티 10대들은 누가 더 작품을 많이 갖고, 누가 더 유명해질지 경쟁을 펼친다. 그들은 가능한 모든 공공 장소의 눈에 띄는 위치에 자신의 이름이나 필명을 "칠"함으로써 성인의 권위에 대한 경멸을 표현합니다. 그들은 종종 도난당하는 페인트로 가득 찬 스프레이건으로 무장한 경찰과 함께 숨바꼭질을 합니다.
그들은 도시 벽에 신비한 문장, 무례한 해골 모양의 인물, 원시적인 마스크 색 얼굴, 어린이 게임의 음란한 몸짓을 그렸습니다. 그래피티 작품은 비주얼 랩과 재즈이며 시각 예술에 대한 독창적인 공헌입니다. 포퓰리즘 사상의 확장으로 그래피티 예술가들은 드로잉, 판화, 그림, 조각, 벽화, 티셔츠, 단추, 깃발 등을 대량 생산했습니다.
2001년 패션 디자이너들은 어김없이 힙합 팝 문화에서 영감을 얻었다. 흑백이나 컬러풀한 그래피티 스타일의 작품은 옷, 스커트, 하이힐, 핸드백에서 찾아볼 수 있다.
스트리트 댄스
스트리트 댄스에는 미국 스트리트 댄스의 즉흥적 움직임에서 유래한 메카니컬 댄스, 브레이크 댄스 등이 있다. 이러한 스트리트 댄서들은 주로 흑인이나 멕시코인입니다. 인기 있는 스트리트 댄스의 대부분은 미국 뉴욕 브루클린에서 유래되었습니다. 일부 흑인이나 멕시코 어린이들은 하루 종일 거리에서 재미를 위해 춤을 추며 다양한 파벌을 형성하며, 당연히 인기도 높습니다. , 그들이 춤추는 춤에는 다양한 특성이 나타납니다.
힙합 댄스는 역동적이고 역동적이고 넓은 동작 범위를 갖춘 격렬한 춤으로, 댄서의 건강 상태가 좋아야 합니다. 한손 물구나무서기, 앞으로 구르기, 풍차 돌리기, 뒤로 돌리기 등의 동작은 매우 어려운 동작이며, 젊은 스트리트 댄서들은 충분한 신체적 지지력을 유지해야 하며 강한 의지와 용기를 가지고 있어야 합니다.
심천의 일부 똑똑한 사업가들은 '힙합'을 통해 돈을 벌었고, 이는 어떤 의미에서는 힙합의 번영을 가져왔다. 일부 댄스 학원과 헬스장에서는 힙합 강좌도 개설해 사업이 호황을 누리고 있다. 쇼핑몰에서는 제품을 홍보하거나 축하 행사를 열 때 종종 스트리트 댄스 공연을 초대하여 재미를 더하고 분위기를 고조시킵니다.
Hip-HopDJ
1967년 뉴욕의 자메이카 이민자가 최초로 두 개의 턴테이블과 믹서를 결합하여 독창적인 "스크래치" 액션을 만들어 많은 사람들을 매료시켰습니다. 길거리에서 감탄해보세요. 레코드 플레이어 운영자인 DJ는 이후 대중문화의 대변인이 되었습니다. 물론, 단순히 CD를 재생하는 것만으로는 충분하지 않습니다. 서로 다른 두 곡을 아름답게 믹싱하려면 상당한 음정과 리듬이 필요합니다. 날카로운 음향 효과를 만들어내기 위해서는 소위 레코드 스크래치라고 불리는 스크래치가 필요합니다. DJ는 20년 넘게 해외에서 인기를 끌며 특별한 문화가 됐다. 크고 작은 국제 대회도 여럿 개최하고 있는데, 그 중 가장 공신력 있는 대회가 'DMC'다.
세레모니(Ceremony)
세레모니(MC)는 파티의 분위기를 주도하는 사회자(세레모니의 사회자)를 말합니다. 좋은 MC란 모두의 감정을 불러일으키고, 모두에게 말을 걸고, 사람의 목소리로 리듬을 만들고, 드럼이나 스크래치 등 기계가 내는 소리를 흉내낼 수 있어야 하므로 랩 등의 랩 테크닉으로 진화했다. MC는 단순한 퍼포머가 아닌 힙합 문화의 전달자로서의 역할도 겸비하고 있다. 뚜렷한 퍼스널 컬러를 지닌 MC는 캐치프레이즈, 음악, 의상 등을 통해 대중성을 높이는 데에도 기여할 수 있다. 의류 브랜드를 지지하는 흑인 가수들의 모습.
스턴트 자전거
요즘 많은 젊은이들은 더 이상 자전거를 단지 학교나 직장에 가는 교통수단으로 여기지 않습니다. 전혀 이상한 뜻이 아닙니다.
http://www.qpark.org
B의 정확한 이름은 B MX이고, 정식 이름은 BICYCLE MOTOCROSS(자전거 크로스컨트리)입니다. 1970년대 중후반 미국에서 등장한 크로스컨트리 자전거 스포츠이다. 1980년대 중반부터 BMX는 평지에서 경기되기 시작했고, 스케이트보드보다 더 높고, 더 높고, 더 흥미진진한 트릭을 선보였습니다. 수백 가지 동작이 있으며, 그 중 가장 기본적인 것은 뒷바퀴 점프, 앞바퀴 점프, 바퀴 닦기, 정지된 자동차, 표류, 다리 건너기 등과 같은 자동차의 정적 균형입니다. BMX의 본체는 일반적으로 합금으로 만들어져 수 미터 높이에서 떨어져도 충격을 견딜 수 있습니다. 브레이크 라인에 제약을 받지 않고 360도 회전이 가능한 핸들바 등 디자인에도 특별한 특징이 많다. BMX는 영화 'E·T'에 출연하며 대중문화를 대표하는 존재로 자리 잡았다.
홍콩, 광저우, 선전 등지에서는 스턴트 사이클링이 유튜브, 플랫 레이스, 파크 레이스의 세 가지 대회로 나누어 진행됩니다. 이러한 대회를 통해 스턴트 사이클링이 대중에게 대중화되었지만 스포츠의 핵심은 거리에 남아 있었습니다.
스케이트보드
1950년대 후반과 1960년대 초반 미국에서는 미국의 서핑 음악과 영화가 트렌드를 주도했고, 사람들은 육지 서핑과 비슷한 디자인으로 서핑의 즐거움을 찾고 있었습니다. 서핑보드, 최초의 스케이트보드는 1959년에 출시되었습니다. 1980년대 후반, 샌드위치 나무 장애물과 스트리트 스타일 장소의 등장으로 스케이트보드가 자조적인 형태로 부활했습니다. 이 새로운 세대의 스케이트보더들은 자신만의 스타 선수를 양성하기 시작했습니다.
스케이트보드는 세계의 트렌디한 문화에 지대한 영향을 미치고 있으며, 운동선수들이 즐겨 듣는 펑크 음악은 물론, 그들이 신는 소박한 헐렁한 옷과 향수를 불러일으키는 테니스화는 모두 한때 세계적인 트렌드가 되었습니다. .
인라인 스케이트
롤러 스케이트의 아이디어는 원래 17세기 네덜란드 사람이 스케이트를 즐기기 위해 신발 밑에 나무 롤러를 못으로 박으려고 했다고 합니다. . 1979년 미국의 한 아이스하키 선수가 낡은 인라인 스케이트를 발견하고 그 디자인을 구입했습니다. 그 이후로 인라인 스케이트는 전 세계적으로 인기를 끌게 되었습니다.
1984년 미국은 다양한 목적으로 롤러스케이트를 개발하기 시작했으며, R OLLERBLADE는 항상 국제 플라이휠 업계를 선도하는 브랜드였습니다.
스쿠터
스쿠터(빅맨)는 스케이트보드에 이어 또 다른 새로운 스포츠 제품으로 속도가 시속 20km에 달한다.
심천 거리에서 스쿠터를 타고 쇼핑하는 노인들과 여성 개개인을 볼 수 있지만, 거리 문화를 대표하는 것은 아니다. 거리 문화는 젊은 '쿨' 세대의 놀이이기 때문이다. 스쿠터는 작은 자전거와 같습니다. 앞부분은 자전거 구조이고, 아랫부분은 스케이트보드 구조이지만 바퀴가 두 개뿐입니다. 다음 요령을 알고 있다면 "숙련" 수준에 도달했음을 증명합니다. 두 발로 뒷바퀴를 고정하고, 양손으로 차량의 앞부분을 잡고, 차량의 앞부분을 힘차게 들어 올리고, 뒷바퀴를 사용합니다. 바퀴를 무게 중심으로 삼고 공중에서 두 번 회전하면 놀랍습니다. 앞바퀴를 세 번 돌리거나 고정하고 앞바퀴를 무게 중심으로 사용하고 뒷바퀴를 기울여 회전합니다.
스트리트 문화라고 하면 HIP-HOP을 떠올리기 쉽지만 어느 정도 HIP-HOP은 스트리트 문화의 대명사가 되었습니다.
힙합(HIP-HOP)은 뉴욕 밑바닥 노동자 계층에서 유래한 것으로 흑인 문화생활의 정신적 구현이다. 스타일 면에서는 뉴욕과 로스앤젤레스라는 두 개의 주요 학교가 있습니다.
음악, 춤, 낙서, 문신, 의상은 HIP-HOP 문화의 주요 구성 요소입니다. HIP-HOP은 미천한 배경에서 나왔기 때문에 초기 활동의 장소는 힙합, 길거리 농구, 스케이트보드 등 거리뿐이었습니다. 그것은 순전히 자기 오락과 자기 표현, 그리고 스케이트보드를 위한 문화 형식으로 존재했습니다. 자기 카타르시스. HIP-HOP 가족은 테이프 레코더를 들고 시장을 돌아다니며 시끄러운 음악을 틀고, 과장되고 눈부신 댄스 동작을 하고, 항상 두루두루 어울리는 옷을 입고 사람들에게 다음과 같이 뻔뻔하게 선언합니다. 우리는 HIP-HOP입니다. 씨족.
일본 청소년들은 미국 문화의 영향을 많이 받기 때문에 HIP-HOP은 일본 청소년들 사이에서 빠르게 받아들여지고 인기를 끌었습니다. 하지만 그들은 자국의 문화적 요소와 단어에 낙서를 추가하는 등 약간의 변화를 가져왔습니다. 의상에 있어서는 전형적인 HIP-HOP 옷일 뿐만 아니라 많은 조합을 가지고 있습니다. 일본인은 소극적이고 조용한 민족이기 때문에 HIP-HOP인들은 그다지 과시적이지 않습니다. 나는 도쿄 황궁 정원 밖에서 춤추는 힙합 사람들을 보았는데, 그들은 모두 12~13세의 소년들이었고, 그들은 모두 스케이트 신발을 신고 헐렁한 옷을 입고 있었고, 그들은 모두 야구 모자를 거꾸로 쓰고 있었습니다. 아무도 보지 않는 것처럼 몸을 비틀고 있었는데, 어려운 동작을 시도해 보세요. HIP-HOP은 원래 매우 화려한 문화였지만, 일본인으로 치면 매우 절제된 문화가 되었습니다. 시끄러운 음악도 없고, 과장된 표정이나 몸짓도 없고, 서로의 대화와 웃음도 상당히 절제되어 있습니다. 엄숙하고 아름다운 궁전을 방해할까봐 두려워요.
모든 언더그라운드 문화가 그렇듯이 강렬하고 현란한 HIP-HOP 문화도 주류 엔터테인먼트 산업의 개입과 현대적인 홍보 방식이 결합되어 새로운 주류 문화를 형성했다. 이미 1994년부터 랩은 대중음악 분야에서 큰 성과를 거두었고, 많은 HIP-HOP인들이 돈을 벌고 삶을 개선했습니다. 스트리트 댄스도 거리에서 소부르주아지로 가득한 체육관과 클럽으로 옮겨갔고, 중산층의 일상생활이 되었습니다.
문화가 지하에서 생겨나 가장자리에서 중심부로, 거리에서 무대로, 정신적 낙원에서 상업사회로 이동하면 그 생명력을 잃고 쇠퇴하기 시작한다.
그래서 거리 문화는 본질적으로 십대들의 문화입니다. 왜냐하면 그들은 계율에 얽매이지 않고 이론적 뒷받침이 필요하지 않으며 상업 사회를 경멸하기 때문입니다. 어른들은 직장에서 성공하기 위해 고군분투하고 과로로 죽을 때까지 여름 내내 길거리에서 스케이트보드를 타고 멍하니 스케이트를 타며 보낸다.
일본에는 HIP-HOP 외에도 유명한 보소조쿠 등 독특한 거리 문화가 많이 있습니다. 젊은이들은 금속 장식품으로 뒤덮인 오토바이를 타고 자동차 스피커에서 음악을 틀며 대중이 보는 앞에서 으스대며 도시를 누비고 있었습니다. 최근에는 도로에서 오프로드 차량이 인기를 끌고 있습니다. 혼잡한 도쿄의 거리에서는 오프로드 차량이 잠깐 나타났다가 교통 흐름 속으로 사라지는 경우가 많습니다.
일본의 거리 문화를 이야기하려면 세계적으로도 독특한 거리 문화, 바로 하라주쿠 문화를 이야기해야 합니다.
제2차 세계대전 이후 하라주쿠는 미군 기지가 되었고, 당연히 이 지역의 젊은이들은 미국 문화의 영향을 받게 되었고, 최초의 하라주쿠 민족인 히피 집단이 등장하게 되었습니다. 오늘날 하라주쿠는 패셔너블하고 현대적인 옷을 입은 십대들의 컬렉션으로 유명합니다. 하라주쿠 역시 단순한 지명을 넘어 일종의 스트리트 문화로 성장했다. 하라주쿠 일대에는 다케시타 로드가 있습니다. 이곳은 하라주쿠의 새로운 주인인 소위 다케시타 아이들의 영역입니다. 20살도 채 되지 않은 이 젊은이들은 과감하게, 참신하게, 개성 넘치게, 심지어 기묘하게 옷을 입는다. 그들은 주말마다 도쿄 외곽에서 다케시타 거리에 모여 거리에 서서 의상을 자랑하는 것 외에는 아무것도 하지 않습니다. 주머니에 돈이 많지 않고 몸에 브랜드 이름도 없지만 옷을 세심하게 차려입고 아방가르드하며 독특하여 하라주쿠 문화의 상징이 되었습니다.
거리 문화와 도시화 과정이 공존하는 도쿄 타워에서 내려다보면 빽빽하게 늘어선 건물과 빽빽한 거리가 압도적이지만, 이 거리는 젊은 세대의 도쿄 거리 문화의 천국이다. 사람들은 여기서 자랍니다. 한 무리의 젊은이들이 젊음을 배신하면 새로운 젊은이들이 차례로 따르게 된다. 이들의 순수하고 비상업적인 문화적 특성은 거리문화의 활력과 아름다움의 원천이다.
일본의 거리 생활은 풍부하고 다채로우며, 젊은이들의 거리 문화는 그 일부일 뿐입니다. 일본의 공공장소에서는 거리 공연을 자주 볼 수 있습니다.
젊은이들의 거리 문화는 순전히 일종의 자기 표현이자 자기 오락이다. 타인의 인정과 감사가 필요하지 않고 단지 자신의 뜻대로 행동할 뿐이지만 거리 공연자들은 다르다. 일부 거리 공연은 계획되고 조직되며 고도로 전문적이며 종종 지역 음식, 엔터테인먼트, 관광 및 기타 활동과 연결됩니다. 예를 들어, 후지TV 입구에서 펼쳐지는 다이나믹한 하와이 댄스 공연은 하와이 관광 루트를 홍보하고, 디즈니랜드의 살아있는 조각품은 더 많은 관광객을 유치하기 위한 것입니다. 거리 공연자나 거리 공연 매니아가 공연하는 거리 공연도 있는데, 다소 상업적인 분위기를 풍긴다.
도쿄, 교토, 오사카 등 일본의 많은 도시들은 도시문화 측면에서 모순의 통일체를 이루고 있다. 도쿄에는 우아하고 아름다운 궁전 정원과 현대 건축의 걸작, 고풍스러운 사원과 신사, 장엄한 고층 건물, 한적한 골목의 희미한 등불, 번화한 도시의 눈부신 네온 불빛이 뚜렷한 대조를 이룹니다. 도쿄는 가장 오래된 전통을 보존하면서 현대적인 대도시입니다. 이러한 모순된 통일성은 황궁 정원에서 춤추는 소년들과 아사쿠사의 관음사에서 공연하는 바이올린 연주자들과 같은 일본의 거리 문화와 거리 공연에 종종 반영됩니다.
아사쿠사라는 이름은 듣는 것만으로도 상상을 불러일으키기에 충분하다. 도쿄를 대표하는 고대 전통지역입니다. 깨끗한 돌길, 가벼운 거리 풍경, 그리고 도쿄에서 가장 오래된 사원인 간논지 사원이 있습니다. 사찰 정문에서 본당까지 이어지는 300m 길이의 돌길 양쪽에는 다양한 에도시대 물품을 판매하는 수십 개의 상점이 매일매일 사찰 박람회처럼 활기가 넘친다. 여름 저녁이면 관광객이 많아 사찰 앞에서는 기모노와 나막신을 입은 소녀들이 돌길을 걷고 기도하는 모습을 곳곳에서 볼 수 있다.
사찰 정문에서 키가 크고 잘생긴 금발에 파란 눈을 가진 외국인 거리 공연자를 보았는데, 그는 자신의 오디오 장비를 가져와 스피커의 멜로디에 맞춰 바이올린을 연주했습니다. 익숙하면서도 낯선 서양음악을 연주하는 그의 모습은 마치 공연장에서 단독 연주회를 하는 듯한 모습으로 앞에 돈을 담을 작은 그릇이 놓여 있는데도 관광객들이 돈을 줘야 하나 하는 생각이 들게 만들었다. 그는 이익에는 관심이 없는 것 같았고, 관음사의 고대 건물 아래 서서 오가는 관광객들과 함께 한 곡씩 노래를 부르며 음악에 빠졌습니다. 아사쿠사의 밤에는 동양의 매력과 서양의 멋이 조화롭게 어우러져 고풍스러운 돌길과 거리 공연자들의 줄을 따라 흐릅니다.