대표작 피카소 소개?
이름: 파블로 피카소
전체 이름: 파블로 디에고 호세 프란시스코 드 폴 장 니포모 세르노 산티시마 트리니다드 루이스 피카소.
파블로 디에고 호세 산티아고 프란시스코 드 파울라 후안 네포무세노 크리스핀 크리스피니아노 로스 레메디오스 치프리아노 다 산티시마 트리니다드 루이스 블라스코와 피카소
출생 및 사망: 1881년 10월 25일 - 1973년 4월 8일
설명: 화가, 극작가, 시인
원산지: 스페인
스페인 화가이자 조각가. 프랑스 공산당의 일원. 그는 현대미술(추상미술)의 창시자이자 서양 현대회화의 주요 대표자이다. 스페인인으로 어린 시절부터 남다른 예술적 재능을 갖고 있는 그는 아버지가 미술 교사로 미술 아카데미에서 엄격한 회화 교육을 받아 탄탄한 모델 능력을 갖고 있다.
[이 단락 편집] 인생 사건
파블로 피카소(1881~1973)는 스페인 말라가에서 태어나 현대 서양에서 가장 창의적인 사람이자 예술가입니다. 가장 깊은 영향을 미친 그와 그의 그림은 세계 미술사에서 불멸의 위치를 차지하고 있습니다.
1881년부터 1900년까지의 유년기
피카소는 1881년 10월 25일 스페인 남부 말라가에서 태어났다.
1889년에 첫 유화를 완성했다. 투우사";
1894년 첫 작품 전시;
1895년 바르셀로나 롱자 미술 학교 입학;
1897년 마드리드 미술 학교 입학 공부 산 페르난도 왕립 미술 아카데미에서 그의 유화 "과학과 자선"은 마드리드 국립 미술 전시회에서 명예상을 수상했으며 나중에 말라가에서 금메달을 수상했습니다.
The Blue; 1900년부터 1903년까지
1902년 "푸른 자화상" 완성
1903년 "생명" 완성, 풍부한 푸른색을 사용하여 가난과 노년의 고통을 표현 그리고 피카소의 '인생'
1904-1906 장미 시대(핑크 시대)
1904년 파리에 '세탁선'이 정착하면서 장미 시대가 시작됐다.
Fernand Olivier를 만나 함께 살았습니다.
1905년에 그는 "파이프를 든 소년"을 만들었고 자선가인 John Hay Whitney에게 미화 30,000달러에 구입했습니다." "파이프를 든 소년"; >
1906년 야수파 거장 마티스를 만나 미국의 작가이자 수집가인 창추 스타인의 초상화를 그렸다. <스타인의 초상>은 피카소가 '장미시대'에서 '큐비즘'으로의 도약을 이룬 작품이다.
1907년부터 1916년까지의 입체파 시대
1907년에 그는 브라크를 만나 입체파 스타일의 창작을 시작하여 "Les Demoiselles d'Avignon"을 창작했습니다.
분석적 입체주의는 1909년에 시작되었고 "페르낭의 머리"가 탄생했습니다.
1912년에는 그림에 접착지를 붙여 입체주의를 더욱 발전시켰습니다.
1917-1924 고전 시대
1917년 이탈리아에서 무용가 올가 코코바를 만나 <올가의 초상>을 창작했다.
1918년 올가와 결혼해 마티스와 공동전시를 열었다.
1920년 손으로 그린 컬러 버전의 "Tricorne Hat"
1922년 제작된 "해변을 달리는 두 여성"
초현실주의 시대 1925-1932
1927년 17세의 마리 테레사 왈츠를 만나 피카소의 모델이 됐다. 그리고 딸 매기를 낳았다.
1929년에 그는 조각가 곤잘레스와 함께 조각품과 철선 구조물을 만들었다. 여성의 머리를 주제로 결혼의 위기를 보여주는 공격적인 연작을 그리며 살바도르 달리를 만났다.
1932년부터 1945년까지의 전환기
1932년, 1933년에 조각가의 작업실을 주제로 동판화를 제작했다.
1936년 스페인 내전이 발발했습니다. 도라를 만나보세요. Maar는 "Portrait of Dora Maar"를 창작했습니다.
1937년에는 "Guernica"를 완성했습니다.
1942년에는 "The Story of Nature"라는 판화를 만들었습니다. >
1943년에 22세의 프랑수아 질로를 만났습니다.
1944년에 프랑스 공산당에 가입했습니다.
1945년에 판화 작업을 시작했습니다. > 1946년부터 1973년까지의 목회 기간
1947년 그의 아들 클로드가 태어났다.
도예가 하미예(Hamiye)의 공방에서 도자기를 만들고, 1948년까지 2,000점의 도예 작품을 만들었다.
1948년에는 세계평화회의 '20시'를 위해 '평화의 비둘기' 포스터와 '공고라'를 제작했다. ";
1949년 "카르멘" 시리즈 창작;
1950년 레닌 평화 메달 수상;
1953년 마두라의 도예가 재클린 로크와 만남
1954년 들라크루아의 <알제리 여인>의 변주연작을 작곡하기 시작했다.
1956년 클로루조***와 함께 작업해 영화 ''를 개봉했다. 신비한 피카소';
1957년 뉴욕 현대미술관에서 '피카소 75주년 기념전'을 열고 판화 '투우 시리즈'를 창작했다.
1958년 피카소는 파리 유네스코 본부 건물을 위해 벽화 '이카루스의 추락'을 제작했습니다.
1959년에는 마네의 '풀밭 위의 점심'을 변형한 일련의 작품이 제작되었습니다. >
1961년 35세의 재클린 로크와 결혼하여 피카소의 80번째 생일을 축하했습니다.
1963년에 "화가와 모델"을 그렸습니다.
1966년 파리 프티팔레에서 대규모 '피카소 회고전' 개최. "Quicksand 시리즈"를 제작했습니다.
1968년에 "Celestina" 및 "Ridiculous Man" 시리즈를 제작했습니다.
1970년에 그는 스페인 집에 거의 2,000점에 달하는 초기 작품을 보관했습니다. . 세로나 피카소 미술관에 기증된 작품:
1971년 파리 국립현대미술관은 '피카소 탄생 90주년 회고전'을 개최했다.
92 1973년 4월 8일 칸 근처 마쿠잔에서 사망. 그는 4월 10일 포웨나주 빌라 정원에 묻혔다.
통계에 따르면 피카소는 유화 1,885점, 스케치 7,089점, 판화 20,000점, 석판화 6,121점 등 총 37,000점에 달하는 작품을 남겼습니다.
피카소의 삶은 너무나 영광스러웠기 때문에 그는 역사상 자신의 작품이 루브르 박물관에 소장되는 것을 본 최초의 화가가 되었습니다. 1999년 12월 프랑스 한 신문이 실시한 여론조사에서 그는 40%의 득표율로 20세기 가장 위대한 화가 10인에 선정됐다. 피카소는 자신의 작품에 대해 "내 그림에는 모두 내 피가 담겨 있다. 이것이 내 그림의 의미"라고 말했다. 세계에서 가장 비싼 그림 10위 안에는 피카소의 작품이 4개가 차지한다.
피카소의 그림 방식과 스타일은 평생 동안 여러 번 바뀌었습니다. 아마도 세상의 무상함에 대한 그의 예민함과 조숙함, 그리고 그의 가난한 가족 환경 때문인지 피카소의 초기 작품은 조숙한 우울함으로 가득 차 있었고 그의 초기 그림은 표현주의적 주제와 닮았습니다. 피카소는 공부하는 동안 학문적 기법과 전통적인 주제를 연구하기 위해 열심히 노력했으며, 그 결과 종교적인 주제를 묘사한 "첫 영성체"와 같은 작품이 탄생했습니다. 드가의 부드러운 음색과 로트레크가 추구한 상류사회적 주제 역시 피카소의 초기 연구 대상이었습니다. <물랭 가렛>, <압생트를 마시는 여인> 등의 그림에서 우리는 로트렉의 기법을 활용한 떠다니는 소리와 빛의 유령, 슬픔이 모호하게 흐르는 모습을 늘 볼 수 있다. 피카소는 열네 살이었을 때 부모님과 함께 바르셀로나로 이주하여 새로운 지역 예술과 아이디어를 보았습니다. 그러나 꼭 한번 도전해보고 싶은 마음에 그는 당시 스페인 식민지 전쟁의 패전을 맞이하게 된다. 치열한 정치적 변화가 국민들에게 비극적인 장면을 안겨줬고, 그 피해를 가장 먼저 입는 것은 중요 도시인 바르셀로나다. 아마도 피카소에게 그의 잠재의식 속에 청색 시대의 우울한 힘을 부여한 것은 바로 이러한 흥분과 절망의 이중적 자극이었을 것입니다.
피카소는 파리로 이주하여 당시 떠돌이 예술가들이 모여 있던 '세탁선'이라는 이상하고 낡은 거주지에서 살았습니다. 열일곱 살이던 올리비아가 비오는 날 우아하게 피카소의 삶 속으로 들어선 것도 이때였다.
그 결과, 사랑의 자양분과 감미로움은 이미 완고하고 삶을 향한 퇴폐적인 그의 영혼을 누그러뜨렸고, 그의 그림 속 고통스러운 푸른색 역시 뛰는 감정을 가지기 시작했다. 오래된 슬픔은 천천히 그리고 조심스럽게 불타 없어진다. 이때 전체 그림 스타일은 행복의 부드러움과 정서적 소속감의 기쁨으로 부풀어 오른다.
로즈 레드 시대의 작품 속 인물들의 표정은 아직 무심하지만, 벌써부터 조화로운 아름다움과 미묘한 인간 본성에 대한 관심이 집중되고 있다. 풍부한 색상을 제외하면 전체가 이전 청색 시대의 절망적인 심연에서 물러났습니다. 가난하고 병들었다는 슬픔과 활력 부족의 상징을 버리고, 삶의 모든 면에 관심과 걱정, 자신감이 가득한 마음으로 바꾸십시오. "셔츠를 입은 여자"에서는 어렴풋한 튤 셔츠가 어둠 속에서 떠오르는 동 신체의 윤곽을 부드럽게 그려내고, 그 확고한 확장은 젊은 여성의 오만함과 자신감을 드러냅니다. 여리여리하고 아련한 아름다움이 유령처럼 흐른다. 전체적인 분위기가 부드럽고 세심하게 전달되어 신비한 몸이 안개 속의 병적인 아름다움에 감탄하게 만든다. 콜라주 예술이 형성된 주된 이유는 공간의 한계를 돌파하려는 피카소의 열망과 천재적인 일획의 산물이다. . 사실 콜라주는 피카소가 발명한 것이 아니라 19세기 민예품에 이미 존재했지만, 이를 회화에 도입하고 장인의 지위에서 분리시킨 것은 피카소였다. 첫 번째 콜라주 작품 "등나무 의자 위의 정물"과 1913년 "기타"는 둘 다 콜라주 기법을 사용하여 입체파를 가장 잘 해석한 작품입니다.
후기 그림은 원시 미술과 단순화된 이미지에 중점을 두었습니다. 1915년부터 1920년까지 그림 스타일은 한때 사실주의로 바뀌었습니다. 1930년에 그는 분명히 초현실주의 쪽으로 기울고 있었습니다. 제2차 세계대전 당시 피카소는 스페인 북부의 작은 마을 게르니카에 대한 독일과 이탈리아 파시스트들의 무차별 폭격에 항의하기 위해 유화 '게르니카'를 그렸습니다. 이 그림은 입체파, 사실주의, 초현실주의를 결합한 피카소의 가장 유명한 추상화로, 격렬한 변형, 비틀리고 과장된 붓터치, 기하학적인 색 블록의 축적, 추상적 형상이 고통과 괴로움을 표현하고 있으며, 동물성은 피카소의 여러 복잡한 감정을 표현하고 있습니다. 후기에는 조각품, 판화, 도자기 등을 많이 제작하고 뛰어난 업적을 이루었습니다. 피카소는 19세기 말부터 1970년대까지 미술 활동을 하였으며, 20세기 전체를 통틀어 가장 영향력 있는 모더니스트 화가였습니다. 피카소의 작품은 현대 서양 미술계에 큰 영향을 미쳤습니다.
피카소는 끊임없이 변화하는 예술적 기법을 탐구한 사람으로, 인상주의, 포스트인상주의, 야수파의 예술적 기법을 흡수하여 자신의 스타일에 적용했습니다. 다양한 변주 스타일 속에서도 거칠고 강인한 성격을 유지하며, 다양한 기법을 활용해 내면의 통일성과 조화를 이루는 것이 그의 재능이다. 그는 최고 경지에 이르렀고, 그의 작품은 도자기든 판화든 조각이든 유치한 놀이와 같다. 그에게는 평생 동안 특정한 스승이나 특정한 제자가 있었던 적이 없었지만, 20세기에 활동한 화가들 가운데 피카소가 열어 놓은 길을 완전히 우회할 수 있었던 사람은 아무도 없었다.
1973년, 그는 93세의 나이로 오랜 경력을 마무리하며 조용히 세상을 떠났고, 자신의 뜻대로 일생을 보냈다.
"Les Demoiselles d'Avignon"
엄청나게 큰 이 유화는 피카소 개인의 미술사에 중요한 전환점이 될 뿐만 아니라 현대 서양 미술사의 혁명이기도 합니다. 입체파 운동의 탄생을 가져온 획기적인 사건입니다. "Les Demoiselles d'Avignon"은 1906년에 시작되어 1907년에 완성되었으며, 그 동안 여러 번 개정되었습니다. 다섯 명의 나체 여성과 한 무리의 정물화는 형식적 의미가 풍부한 구성을 이룬다. 그림의 제목은 피카소의 친구인 앤드류 셀먼(Andrew Selman)이 지어줬는데, 피카소는 이 그림을 싫어했다고 한다. 하지만 어쨌든 이것은 작품의 제목일 뿐이다. 현대 미술에서 제목은 작품과의 관련성이 점점 낮아지고 있으며, 화가들은 자신의 작품 내용을 설명하기 위해 의식적으로 제목을 사용하지 않는 경우가 많습니다. 피카소의 "Les Demoiselles d' Avignon"도 똑같을 것입니다. 그림의 원래 개념은 성병에 대한 우화를 기반으로 했으며 제목은 "죄의 임금"이었습니다. 이는 초기 스케치에서 명백히 드러났는데, 이는 고대 스페인 도덕을 연상시킵니다. 격언: "모든 것이 헛되다." 그러나 이 그림의 형식적인 창작 과정에서 이러한 일화적이거나 우화적인 세부 사항은 작가에 의해 하나씩 제거되었다.
그 궁극적인 충격적인 힘은 어떤 문학적인 묘사에서 나오는 것이 아니라, 회화적 언어가 주는 감동적인 힘에서 나옵니다.
이 그림은 최초의 입체파 작품이라고 할 수 있다. 그림의 왼쪽에 있는 세 명의 나체 여성은 고전적인 인체의 경직된 변형임이 분명한 반면, 오른쪽에 있는 두 명의 나체 여성의 거칠고 비정상적인 얼굴과 자세는 원시 예술의 야생성을 가득 담고 있습니다. 야수파 화가들은 아프리카와 오세아니아 조각의 원초적인 매력을 발견하고 이를 피카소에게 소개했습니다. 그러나 원시 미술을 이용해 고전 미학을 파괴한 것은 야수파 화가들이 아니라 피카소였다. 이 그림에서는 비율뿐만 아니라 인체의 유기적 완전성과 연속성도 부정됩니다. 결과적으로 그 그림은 (한 평론가의 말대로) "깨진 유리 같다"고 평가된다. 여기서 피카소는 많은 것을 파괴했는데, 그 파괴 과정에서 그가 얻은 것은 무엇인가? 이 그림을 처음 보고 충격에서 회복되었을 때 우리는 그 피해가 상당히 심각하다는 것을 발견하기 시작했습니다. 그림이든 배경이든 각진 기하학적 블록으로 분류됩니다. 우리는 이 조각들이 평면적이지 않고, 그림자가 늘어서 있기 때문에 어떤 입체적인 느낌을 갖고 있다는 것을 알아냈습니다. 우리는 그것이 오목한지 볼록한지 항상 확신할 수는 없습니다. 일부는 단단한 블록처럼 보이고 다른 일부는 투명한 몸체의 조각처럼 보입니다. 이러한 특이한 블록은 그림에 확실한 무결성과 연속성을 부여합니다.
이 그림에서 우리는 세잔의 그림에서 사용되었던 3차원 공간을 2차원 평면에 표현하는 새로운 방식을 볼 수 있다. 그림 중앙에 있는 두 인물의 얼굴은 정면이지만 코는 옆모습으로 그려져 있습니다. 왼쪽 인물의 머리에는 정면 눈이 있습니다. 다양한 각도에서 본 모습이 하나의 이미지로 결합됩니다. 소위 "동시적 시각적" 언어라고 불리는 이 언어는 그림 오른쪽의 쪼그려 앉은 이미지에서 더욱 분명하게 사용됩니다. 이 3/4 뒷모습은 분해 및 접합 과정으로 인해 척추 중심축에서 분리된 모습입니다. 다리와 팔은 길어져 깊은 곳까지 뻗어 있음을 암시하며 머리도 뒤틀려 있어 보는 사람을 똑바로 바라보고 있습니다. 피카소는 다양한 각도의 이미지를 이 이미지로 합성하기 전에 이미지를 180도 회전시킨 것 같습니다. 이 회화 방식은 이탈리아 르네상스가 시작된 이래 500년 동안 화가들에게 부과된 원근법의 법칙을 완전히 깨뜨렸습니다.
피카소는 그림을 평면적으로 유지하려고 노력했습니다. 그림 속 표면의 대부분은 오목하고 볼록하지만 깊게 오목하거나 심하게 볼록하지는 않습니다. 실제로 그림에 나타난 공간은 너무 얕아 마치 부조적인 이미지를 표현한 것처럼 보인다. 화가는 의도적으로 인물과 배경 사이의 거리를 없애고 그림의 모든 부분이 같은 표면에 나타나도록 노력했습니다. 오른쪽 배경의 파란색 패치를 조금만 주목해 보면 작가의 독특한 독창성을 엿볼 수 있습니다. 파란색은 일반적으로 시각적으로 후퇴하는 효과가 있습니다. 이 효과를 없애기 위해 피카소는 이 파란색 블록을 눈부신 흰색 가장자리로 연결하여 필사적으로 앞으로 튀어나온 것처럼 보이도록 했습니다.
사실
"캐스웰의 초상"
피카소가 그린 "캐스웰의 초상", 1910년, 유화, 100×61.5cm, 시카고, 시카고 아트 센터에서 수집.
1909년부터 1911년까지 '분석적 입체파' 시대의 피카소 그림은 그가 객관적인 표현을 무시했음을 더욱 보여줍니다. 이 시기 그가 그린 사물은 정물이든 풍경이든 인물이든 완전히 분해되어 보는 이로 하여금 혼란을 느끼게 한다. 그림마다 제목이 있지만 제목과 관련된 물건을 찾기가 쉽지 않다. 그 분해된 형태와 배경이 뒤섞여 전체 그림은 다양한 수직선, 사선선, 수평선이 얽혀 있는 다양한 형태의 블록으로 가득 차 있습니다. 이 복잡한 네트워크 구조에서 이미지는 천천히 나타나다가 복잡한 블록 속으로 즉시 사라집니다.
여기서는 색상의 역할이 최소화되었습니다. 그림에는 검은색, 흰색, 회색, 갈색 등 단조로운 색상만 있는 것 같습니다. 사실 화가가 표현하고 싶은 것은 선과 선, 형태와 형태로 이루어진 구조, 그리고 그 구조가 발산하는 긴장감뿐이다.
이 "캐스웰의 초상"은 피카소가 분석적 입체파의 회화 언어를 사용하여 특정 캐릭터를 창조한 방법을 명확하게 보여줍니다. 당황스러운 점은 분해된 이미지와 색상을 포기한 극도로 추상적이고 변형된 묘사에서 피카소가 결코 모델에 대한 언급을 포기하지 않았다는 점입니다. 이 그림을 그리기 위해 그는 오랜 친구인 캐스웰러 씨에게 인내심을 갖고 스무 번이나 포즈를 취하게 했습니다. 그는 조심스럽게 형태를 분해함으로써 투명한 색의 블록들이 겹겹이 쌓인 듯한 화면 구조를 얻었다. 그림의 색상은 파란색, 황토색, 회색 보라색뿐입니다. 여기서 색상은 사소한 역할만 합니다. 칸와일러 씨의 이미지의 윤곽은 여전히 선과 블록의 얽힘 속에서 막연하게 드러날 수 있지만, 실제 인물과의 유사성을 사람들이 판단하기는 어렵습니다. 피카소의 가장 유명한 전문가인 롤랜드 펜로즈(Roland Penrose)는 이 그림을 보고 이렇게 논평한 적이 있습니다: "평면이 분할될 때마다 인접한 부분은 다른 평면으로 분할되며 이것은 계속해서 뒤로 이동합니다. , 끊임없는 직접적인 감각 눈은 이 잔물결 사이를 헤매며 코, 두 눈, 깔끔하게 빗은 머리카락, 시계줄 등 여기저기의 흔적을 포착합니다. 손을 교차했지만 눈이 한 지점에서 저 지점으로 돌면서 외모가 설득력있는 표면을 헤매는 즐거움을 끊임없이 느낍니다. 그런 그림을 보면 모호하지만이 그림은 실제처럼 보입니다. , 그리고 이 새로운 현실의 대칭적이고 조화로운 삶에 힘입어 즐겁게 자신만의 해석을 하게 될 것입니다."
"병, 유리 및 바이올린"
1890-1892, 유화 , 45×57cm, 파리 오르세 미술관 소장.
1912년부터 피카소는 "합성 입체파" 스타일의 회화 실험으로 전환했습니다. 그는 콜라주 기법을 사용하여 작품을 만들기 시작했습니다. Bottle, Glass and Violin이라는 제목의 이 작품은 이러한 새로운 스타일을 명확하게 보여줍니다.
이 그림에서 우리는 병, 유리잔, 바이올린 등 일반적인 실제 물체를 기반으로 여러 인물을 구별할 수 있습니다. 그것들은 모두 신문 스크랩으로 표현됩니다. 여기서 화가의 관심의 초점은 사실 여전히 기본형의 문제이다.
그러나 이번에는 이 문제를 전혀 새로운 태도로 다루고 있습니다. 분석적 입체주의의 작품에서 사물은 기본 요소로 축소됩니다. 즉, 여러 개의 작은 조각으로 분해됩니다. 피카소는 이러한 블록을 구성 요소로 사용하여 그림에서 사물과 공간의 새로운 질서를 창조했습니다. 짧고 자유로운 붓질로 블록을 병치하고 연결함으로써 그는 엄격하고 합리적인 회화 과정을 반영하는 맑고 투명한 화면 구조를 얻었다. 이제 그의 종합적인 입체파 작품에서 그는 정반대의 절차를 채택했습니다. 그는 더 이상 실제 사물을 출발점으로 삼지 않고 사물을 기본 요소로 분해하는 대신 기본 요소를 출발점으로 삼아 기본 형태와 표면을 객관적인 사물 그래픽으로 변환합니다. 즉, 그는 병, 컵, 바이올린을 보여주기 전에 이미 추상적인 화면구조를 정리하고 배열해 놓은 것이다. 그는 물감과 붓놀림을 포기함으로써 더욱 객관적인 현실을 얻게 되었다. 그는 신문, 벽지, 나뭇결 종이 및 기타 유사한 재료를 사용하여 다양한 모양의 블록을 콜라주합니다. 이 블록들은 한편으로는 그림 밖의 세계를 보여주는 반면, 이들의 유기적인 결합은 그림 자체의 세계의 통일성과 독립성을 보여준다. 그의 미술상이자 친구인 Kahnweiler가 그에 대해 이렇게 말한 것도 당연합니다. "그는 붓을 다루는 능력이 없더라도 여전히 훌륭한 작품을 만들 수 있습니다." 이 콜라주 그림에서 왼쪽에 있는 신문 조각은 The를 나타냅니다. 병과 나뭇결이 인쇄된 종이 조각은 바이올린을 나타냅니다.
목탄 펜으로 그린 몇 개의 강한 선은 이러한 변형을 가능하게 하고 관련 없는 콜라주 재료를 유기적인 통일체로 통합합니다.
이 콜라주 예술언어는 입체파 회화의 주요 상징이라 할 수 있다. 피카소는 "심미적인 관점에서도 입체파를 선호할 수 있습니다. 그러나 종이 붙이기가 우리 발견의 진정한 핵심입니다."라고 말했습니다. 이 콜라주 언어를 사용하는 데 있어서 피카소는 분명히 다른 입체파 화가(예: 브라크, Gris 등)은 좀 더 과감하고 환상이 넘친다. 다른 화가들은 서로 다른 종이 조각을 콜라주할 때 그것이 현실적인 논리에 부합하는지 고려해야 합니다. 그들은 항상 나무 항목(예: 테이블, 기타)을 표현하기 위해 나뭇결 종이를 제한합니다. 반면 피카소는 그러한 제약에서 완전히 자유로웠다. 그의 그림에서 무늬가 있는 벽지 조각은 테이블 상판을 표현하는 데 사용될 수 있고, 신문 조각은 바이올린에 오려서 붙여질 수도 있습니다. 피카소는 프랑수아 질로(François Gilot)와의 대화에서 콜라주에 대한 자신의 견해를 다음과 같이 설명한 적이 있습니다.
“종이 풀을 사용하는 목적은 다양한 물질이 구성에 도입될 수 있다는 점을 지적하는 것입니다. 우리는 원근법을 없애고 정신을 찾으려고 노력합니다. 신문 조각은 신문을 표현하는 데 사용되지 않지만 병이나 피아노를 묘사하는 데 사용되지 않습니다. 문자 그대로의 의미로, 그러나 관습적인 맥락에서 벗어나 원래의 시각적 이미지와 새로운 최종 정의 사이의 갈등을 만들기 위해 신문 조각이 병이 될 수 있다면 사람들은 신문의 이점에 대해 생각하게 됩니다. 물체는 낯선 세계, 낯선 세계로 옮겨집니다. 우리는 우리가 매우 불안한 세상에서 살고 있다는 것을 깨닫기 때문에 사람들이 이 기이한 일에 대해 생각하게 만들고 싶습니다."(Francois Gilot 외. "부부로서의 피카소" ", Tianjin People's Publishing House, 1988, p. 60)
"Guerney." 카드"
"Guernica", 피카소가 그린, 1937, 캔버스에 유채, 305.5 × 782.3 cm, 프라도 미술관에서 수집.
유화 '게르니카'는 피카소가 1930년대에 그린 큰 영향력과 역사적 의미를 지닌 걸작이다. 이 그림은 스페인 공화국 정부의 의뢰로 1937년 파리 만국박람회의 스페인관을 위해 제작되었습니다. 이 그림은 1937년 독일 공군이 스페인 게르니카 마을에 미친 폭격을 가한 잔혹행위를 보여줍니다. 정의감이 강한 예술가로서 피카소는 이런 야만적인 행위에 큰 분노를 표했다. 파시즘의 잔혹행위에 대한 비난과 항의로 이 걸작을 완성하는 데는 불과 몇 주 밖에 걸리지 않았습니다.
피카소는 아방가르드적인 예술적 혁신에 열광했지만 현실의 표현을 포기하지 않았다. 그는 “나는 초현실주의자가 아니다. 나는 현실과 분리된 적이 없다. 이것이 그가 <게르니카>를 선택한 중요한 이유일 수도 있다. 그러나 이 그림에서 현실의 표현은 전통적인 사실주의 표현방식과는 전혀 다르다. 그의 그림에 담긴 풍부한 상징성은 일반적인 사실주의 작품에서는 찾아보기 어렵다. 피카소 자신도 황소는 강간을, 다친 말은 스페인의 고통을, 빛나는 빛은 빛과 희망을 상징한다고 이 그림의 상징적 의미를 설명한 적이 있다. 물론 그림에는 사실적인 장면도 많이 묘사되어 있습니다. 그림 오른쪽에는 한 여인이 죽은 아기를 안고 하늘을 향해 울고 있고, 그 아래에는 부러진 칼과 꽃을 들고 땅바닥에 누워 있는 군인이 있다. 그림 왼쪽에는 당황한 남자가 손을 높이 들고 비명을 지르고 있는데, 그에게서 멀지 않은 곳에서 도망치던 여자는 너무 당황해서 뒷다리가 따라오지 못하고 멀리 뒤로 넘어졌다. . 이 모든 것은 끔찍한 공습의 희생자들을 실제로 묘사한 것입니다.
그림 속 많은 이미지는 작가가 전통회화적 요소를 흡수한 모습을 반영한다.
죽은 아이를 안고 있는 어머니의 모습은 그리스도를 애도하는 마돈나의 전통에서 유래한 것으로 보이며, 등불을 들고 있는 여인의 모습은 자유의 여신상을 연상시킨다. 고야의 그림에 나오는 애국자들에게 살해당한 인물은 다르지 않으며, 팔을 뻗은 채 땅에 누워 있는 군인의 이미지는 초기 이탈리아 르네상스의 일부 전쟁 그림에 나오는 이미지와 결혼 관계에 있는 것 같습니다. 이를 통해 피카소는 반항적인 정신을 지닌 대담한 혁신가일 뿐만 아니라, 전통을 존중하고 능숙하게 다루는 예술가임을 알 수 있다.
언뜻 보기에 이 그림은 이미지 구성이나 구성이 매우 무작위로 느껴지고, 다소 난잡하다고 생각될 수도 있습니다. 이는 폭격 당시 주민들이 겁에 질려 도망쳤던 혼란스러운 분위기와도 일맥상통하는 것으로 보인다. 그러나 이 그림을 자세히 살펴보면 이 긴 그림 공간의 모든 형상과 이미지의 배열은 신중하게 구상되고 고려되었으며 엄격하고 통일된 질서를 가지고 있음을 알 수 있습니다. 많은 이미지가 역동적이지만 그 구성은 어떤 고전적 의미를 분명히 드러냅니다. 우리는 그림 중앙에서 서로 다른 밝은 색상의 이미지가 서로 겹쳐서 이등변삼각형을 형성하는 것을 볼 수 있습니다. 삼각형의 중심축은 전체 긴 그림을 두 개의 정사각형으로 나눕니다. 화면의 왼쪽과 오른쪽 이미지가 서로 균형을 이루고 있습니다. 이른바 피라미드 같은 구도는 레오나르도 다빈치(최후의 만찬)의 구도와 어느 정도 유사한 특징을 갖고 있다고 할 수 있다. 또한 전체 그림은 왼쪽에서 오른쪽으로 네 부분으로 나눌 수 있습니다. 첫 번째 부분은 황소의 이미지를 강조하고 두 번째 부분은 부상당하고 애쓰는 말을 강조하고 그 위의 눈부신 전등은 겁에 질려 외로운 것처럼 보입니다. 눈 ; 세 번째 문단에서 가장 눈에 띄는 것은 빛을 들고 창 밖으로 머리를 내밀고 있는 '자유의 여신상'이고, 네 번째 문단에서는 겁에 질려 하늘을 향해 팔을 뻗은 남자의 모습이다. 즉시 우리의 관심을 사로잡으며, 그 필사적인 몸짓은 잊혀지지 않습니다. 피카소는 세심하게 구성된 구도를 사용하여 움직임과 흥분으로 가득 찬 과장되고 변형된 이미지를 통일되고 질서정연하게 표현했으며, 풍부하고 다양한 디테일을 묘사할 뿐만 아니라 핵심을 강조하고 강조하여 그의 심오한 예술적 기량을 보여줍니다.
여기서 피카소는 여전히 클립아트라는 예술적 언어를 사용합니다. 그러나 그림 속 오려내기의 시각적 효과는 실제 오려내기 방식으로 구현되는 것이 아니라 손으로 그리는 방식으로 표현된다. 한 장의 작품을 겹겹이 쌓은 '잘라내기' 그래픽은 검정, 흰색, 회색으로 제한되어 그림의 긴장감과 공포감을 효과적으로 부각시킨다.