유럽 애니메이션의 역사는 어떤가요?
1906년 에디슨의 실험실에서 일했던 J. 스튜어트 블랙턴(J. Stuart Blackton)은 세계 최초의 애니메이션 비디오이기도 한 "The Humorous Phases of Funny Faces"(The Humorous Phases of Funny Faces)를 제작했습니다. 이후 프랑스 출신의 에밀 콜(Emile Cohl)은 애니메이션 촬영 기술을 더욱 발전시켜 250편 이상의 단편 애니메이션을 제작했습니다. 동시에 그는 애니메이션과 실제 공연을 결합하기 위해 매트 사진 촬영 방식을 최초로 사용한 사람이기도 합니다. 콜이 현대 애니메이션의 아버지라고도 불리는 것은 바로 애니메이션 발전에 대한 뛰어난 공헌 때문입니다.
초기 애니메이션 발전에 중요한 영향을 미친 또 다른 사람은 미국의 윈저 맥케이(Winsor McCay)이다. 그는 미국 미시간 주에서 태어나 어린 시절 서커스와 대중 연극 단체의 포스터를 그리는 일로 생계를 꾸렸고, 이후 신문 기자와 만화 칼럼니스트가 되었습니다. 1914년에 McKay는 Gertie the Dinosaur라는 애니메이션 장편 영화를 개봉했습니다. 이 만화의 출시는 기존 애니메이션 작품의 순수 예술적 경향을 바꾸어 스토리, 캐릭터, 실사 연기를 인터랙티브한 플롯으로 구성하여 상당히 좋은 결과를 얻었습니다. 그리고 순진한 공룡 거티는 유명한 만화 스타가 되었습니다. Gertie the Dinosaur에 이어 McKay는 The Sinking of the Rustania를 제작했습니다. 애니메이션으로 제작된 최초의 다큐멘터리였습니다.
Winsor McKay의 성공은 상징적입니다. 그는 만화가로서의 육성과 축적을 활용하여 캐릭터 창작, 스토리 구조 및 대중적 관심을 강조하는 새로운 애니메이션 창작 모델을 만들었습니다. McKay 이후 미국 애니메이터들은 유럽 애니메이터들과는 매우 다른 길을 따르기 시작했습니다. 신세계에 속하는 만화 시대가 온다.
20세기 전반 미국 만화 예술의 발전 수준은 세계적으로 선두에 있었다. 이 리더십이 만능이라는 것은 의심의 여지가 없습니다.
1840년 초 보스턴의 DC Johnston Company는 미국에서 최초로 등장한 만화일 수 있는 "Cresper"라는 단일 페이지 그림 잡지를 출판했습니다. 이후 유럽 이민자들의 지속적인 유입과 함께 원래 유럽에서 유행했던 만화 예술도 미국에도 상륙하기 시작했다.
1880년 미국의 신문계 재벌 퓰리처는 자신이 운영하는 뉴욕 월드 신문에 일요일 특집호를 추가하고 만화 칼럼을 추가했습니다. 얼마 지나지 않아 또 다른 거대 신문사인 허스트(Hearst)도 뉴욕 매거진(New York Magazine), 아메리칸 유머(American Humor) 등 자신의 출판물에 정기적으로 만화를 게재하기 시작했습니다. 이는 신문 부수 증가에 있어서 만화의 역할이 널리 인식되었음을 의미한다. 위에서 언급한 두 주요 신문사의 강력한 개입은 의심할 여지없이 아직 초기 단계에 있던 미국 만화에 부스터를 주입한 것입니다. 이후 미국 만화의 발전은 빠른 속도로 진입했습니다.
1895년, 유명 만화가 R.F. 아웃콜트가 창작한 만화 시리즈 '옐로우 키드'(Yellow Kid)가 퓰리처가 창간한 '뉴욕 월드'에 연재되기 시작했다. 그러나 얼마 지나지 않아 Outcott은 "노란 아이"를 Hearst의 "New York Journal"에 데려갔습니다. '옐로우 키드' 시리즈의 원래 이름은 '호건의 골목'이었습니다. 이야기의 주인공은 더러운 잠옷을 입고 머리가 큰 6~7세 꼬마 '미키 듀건'입니다. 사실 잠옷은 처음에는 파란색이었어요. 1896년에는 종이를 노란색으로 쉽게 염색할 수 있는 신기술이 적용되면서 듀간도 노란색 옷으로 변신했다. 나중에 Outcott은 모든 사람이 이야기의 주제를 더 쉽게 이해할 수 있도록 이야기의 주인공의 대화를 만화에 추가했습니다. 이것은 또한 "The Yellow Child"를 진정한 만화영화로 만듭니다. '노란 아이들'의 이미지가 사람들의 마음 속에 깊이 뿌리박혀 있었기 때문에, 똑똑한 사업가들은 이 이미지를 바탕으로 장난감, 조각상, 광고 포스터 등 '노란 아이들'과 관련된 수많은 주변 제품을 개발해 왔습니다. 『노란 아이들』 역시 많은 우여곡절을 겪었지만, 첫 등장 이후 7년 만인 1902년, 마침내 『노란 아이들』 시리즈가 단행본으로 출간됐다.
<노란 아이>의 성공은 미국 만화의 발전을 촉진했을 뿐만 아니라 만화 작품의 상업적 운영에 대한 고전적인 패러다임을 제공했다는 점을 지적해야 한다.
20세기 초반 내내 만화는 계속해서 미국 문화와 교차점을 찾았습니다. 그 과정에서 수많은 훌륭한 작품과 잊을 수 없는 만화 이미지가 탄생했다. 그러나 1930년대 초반이 되어서야 미국 만화의 황금시대가 본격적으로 도래했습니다.
'황금 시대'에 대한 예리한 묘사가 있습니다. 미국 만화의 황금 시대는 값싼 그림 잡지에 슈퍼 히어로가 만연한 시대였습니다. 우리 모두가 알고 있듯이 이 시기에는 SUPER MAN, BATMAN, FLASH, AQUA MAN 등 수많은 슈퍼히어로 이미지가 탄생했습니다. 이들 슈퍼히어로들의 공통점은 보통 사람들이 가질 수 없는 보디빌더 같은 육체와 초능력을 갖고 있다는 점이다. 그들은 끊임없이 사악하고 강력한 적들을 물리치고 세상을 구한다. 그 중 가장 대표적이고 지속적으로 영향력을 행사하고 있는 인물은 아마도 슈퍼맨과 배트맨일 것이다.
'슈퍼맨'의 주인공은 크립톤 행성에서 온 초능력을 지닌 외계인 클라크이다. 아직 아기였을 때 우주선을 타고 크립톤에서 지구로 왔고, 마음씨 좋은 켄트 부부에게 입양되었습니다. 그는 자라면서 지상의 사람들에게는 없는 초능력이 자신에게 있다는 것을 발견하기 시작했습니다. 클라크는 자신의 정체를 숨기기 위해 외딴 마을에서 대도시로 올라와 '데일리 플래닛'에서 편집자로 일하던 중 젊고 아름다운 여성 기자 루이스를 만난다. 그때부터 도시의 안전과 질서가 악의 세력에 의해 위협받을 때마다 망토와 스타킹을 입은 비행 영웅이 위기에 처한 사람들을 구하기 위해 제때 나타나게 될 것입니다. 그러나 대부분의 경우 슈퍼맨의 주요 임무는 아름다운 것을 구하는 것입니다.
'슈퍼맨' 시리즈는 '액션 코믹스' 창간호에 처음 게재돼 미국 전역에서 단숨에 인기를 끌었다. 1939년 1월 16일부터 "슈퍼맨"이 신문에 연재되기 시작했습니다. 1941년에는 300개 이상의 신문이 매일 슈퍼맨 만화를 연재하고 있었습니다. 다음 반세기 동안 "슈퍼맨"을 주제로 한 만화, 영화, TV 시리즈가 끝없이 등장했습니다. '슈퍼맨'은 시대의 상징이 됐다고 해도 과언이 아니다.
슈퍼맨이 성공을 거둔 것과 거의 동시에 '황금시대'의 또 다른 슈퍼히어로인 배트맨도 사람들의 눈에 들어왔다.
배트맨의 원래 이름은 퀸부시(Quinbussy)이며, 저명한 부유층 가문 출신이다. 아주 어렸을 때 그의 부모는 깡패들에게 살해당했고 그는 고아가 되어 가정부 밑에서 자랐습니다. 그는 자라면서 악을 근절하기 위해 싸울 것을 맹세했습니다. 그 결과 그는 배트슈트를 입은 가면을 쓴 영웅이 되었다. 폭력을 근절하고 법을 어기는 사람들을 처벌하는 것이 그의 가장 중요한 임무가 되었습니다.
배트맨의 이야기는 '디텍티브 코믹스'(DETECTIVE COMICS) 27호에 처음 등장했다. 슈퍼맨에 비하면 배트맨은 초능력이 없는 평범한 사람이고, 여기에 그의 매력이 있다. 배트맨이 악과 싸우기 위해 사용하는 주요 도구는 다양한 기술 발명품이며, 그 중 가장 유명한 것은 범용 배트모빌입니다.
황금시대의 수많은 슈퍼 히어로들 가운데 원더우먼(WONDER WOMAN)은 '대안'이라 할 수 있다. 이는 기존의 슈퍼 히어로 이미지에 대한 남성 독점을 깨뜨렸을 뿐만 아니라, 더 중요한 것은 그녀의 등장이 만화계의 성별 질서를 완전히 재구성하여 여성 캐릭터가 더 이상 남성 영웅의 부속물이 아니라 진정한 만화계를 지배하는 주인공이 되었다는 점입니다. 이야기. 그리하여 1941년 말 『올스타 코믹스』에서 『원더우먼』 시리즈가 연재된 직후, 많은 여성 독자들의 뜨거운 환영을 받았다.
만화 영웅의 등장은 우연이 아니다. 사실 이는 만화예술과 미국문화의 충돌로 인한 피할 수 없는 결과이다. 미국 문화의 핵심은 바로 '개인주의'입니다. 이는 개인의 투쟁을 옹호하고 개인의 이익 보호를 우선시하는 문화입니다. 이러한 문화적 배경으로 인해, 특히 1930년대 대공황과 제2차 세계대전이 미국 사회에 심각한 영향을 미쳤을 때 사람들은 '구원자' 슈퍼히어로를 희망과 희망의 상징으로 존경하고 동경했습니다. 현실 세계에서는 그런 인물을 찾아볼 수 없기 때문에 사람들은 정신적 양식을 얻기 위해 허구의 세계로 눈을 돌린다.
제2차 세계대전 당시 미국의 사회적 경제는 전쟁으로 인해 붕괴되지 않았을 뿐만 아니라 유례없는 발전과 성장을 이루었습니다. 전쟁에서 영감을 받은 애국심은 당시 미국 문화의 주류가 되었습니다. 이에 따라 만화 속 슈퍼히어로들도 나라를 지키고 나치에 맞서는 전쟁에 동참하게 됐다. '황금시대'도 정점에 이르렀다.
미국 사회에서 만화의 영향력이 나날이 커지면서 미국 만화의 발전도 교육만화, 과학만화, 서양만화 등 새로운 주제가 등장하는 등 점차 다양해지고 있다. 동시에, 이익을 극대화하는 상업적인 과장된 광고에 대한 맹목적인 추구는 미국 만화에 폭력, 음란물 및 기타 바람직하지 않은 요소의 급증을 초래했습니다. 일부 만화 출판물에서는 "어린이에게 적합하지 않음"을 과감하게 표시하기도 합니다. 그 결과 만화산업은 대중과 여론의 비판의 대상이 되었고, 결국 '황금시대'는 쇠퇴하게 되었다.
1945년 봄, Frederick Weisman 박사의 책 "Seducing the Innocent"가 출판되었습니다. 와이즈만 박사는 당시 사회에 큰 영향력을 발휘한 지식인이자 정치계에서도 잘 알려진 인물이었습니다. 그는 늘 “폭력적이고 어두운 내용으로 가득한 만화가 청소년 범죄와 사회 혼란의 근본 원인”이라고 믿어왔다. 후속 조사 결과 와이즈먼 박사의 주장은 대부분 사실적 근거가 부족하다는 사실이 드러났지만, 이 책의 출판은 당시 주류 여론이 만화계를 광범위하게 비판한 데에 부응해 즉각 각계각층의 지지와 긍정을 얻었다. . 한동안 만화는 금지된 책이 되었고, 사람들은 종종 마약에 대해 이야기하는 것과 같은 어조로 만화에 대해 이야기했습니다.
1954년 4월, 미국 상원 청소년 비행 조사위원회는 와이즈만 박사가 증인으로 참석하여 만화가 청소년에게 미치는 영향에 대한 공청회를 열었습니다. 그는 만화는 어린이의 순결함을 훼손하고 청소년 범죄를 촉발하는 주범이라고 주장했다. 만화에 비하면 히틀러는 어린아이에 불과하다. “아이들은 4세부터 만화에 중독되는 경우가 많다”며 만화 판매를 즉각 금지하라고 요구하기도 했다.
이번 청문회는 명확한 결론을 내리지는 못했지만, 상원은 최종적으로 청소년을 독살하고 도덕을 타락시킬 수 있는 만화 내용을 모두 삭제하라는 검열기준 제정을 요청했다. 이것은 실제로 여론의 "황금 시대"에 대한 사형 선고입니다. 상원 청문회 직후 만화출판사들은 1954년 10월 26일 '미국국내만화잡지협회'를 설립하고 '연맹 내부심사기준'을 제정했으며, 이후 출판되는 만화의 표지에는 제한 수준을 명확히 표시할 것을 요구했다.
이는 의심할 여지 없이 미국 만화계에 지대한 영향을 미치는 사건이다. 이러한 다소 과장된 기준으로 인해 이전에 베스트셀러였던 공포 만화와 경찰 및 갱스터 만화는 거의 사라졌습니다. 서양 만화의 카우보이도 손을 맞대고 싸우는 장면이 크게 줄어들고 심지어 " 폭력'이라는 재미있는 동물 만화 속 그의 행동도 소심해졌다. 부수 급감으로 많은 출판사와 만화 출판사가 부도를 냈고, 대부분의 전문 만화가들은 생계 압박으로 이직을 해야 했다. 물론 '캡틴 아메리카'의 작가 조 사이먼 같은 소녀만화 작가들도 한때 슈퍼히어로의 부재로 인해 인기를 끌기도 했다. 그러나 이로 인해 미국 만화산업은 전체적으로 심각한 피해를 입었지만, 이후 어느 정도 회복은 되었지만 여전히 예전의 영광을 되찾지는 못했다.
미국 만화 산업 발전의 우여곡절에 비해 같은 기간 미국 애니메이션 산업은 항상 강한 발전 추세를 유지해 왔습니다. 이 시대의 역사를 되돌아보면 월트 디즈니와 그의 디즈니 회사를 빼놓을 수 없습니다.
사실 월트 디즈니 이전에도 미국에는 이미 뛰어난 애니메이터들이 많았지만, 후발주자로서 미국 애니메이션 산업의 도약을 진정으로 이끈 사람은 월트였다. 그러므로 우리는 "월트 디즈니가 애니메이션 역사상 최초의 거장"이라고 믿을 충분한 이유가 있습니다.
1923년, 22세의 나이에 월트 디즈니는 고향인 캔자스와 작별하고 발전을 찾아 할리우드로 떠났습니다. 당시 헐리우드는 창업의 성지였고, 당시 영화는 아직 무성영화 단계에 머물렀다. 그곳에서 그는 처음부터 시작하여 단돈 3,200달러로 '디즈니 브라더스 애니메이션 제작사'를 등록했습니다. 월트가 할리우드에 온 해에 그는 실제 인물과 애니메이션 캐릭터가 출연하는 무성 만화 "만화 나라의 앨리스"라는 첫 번째 애니메이션 작품을 완성했습니다.
할리우드에서 처음 몇 년 동안 디즈니와 그의 회사는 점차 입지를 다졌지만 1927년 월트는 그의 경력에 처음으로 심각한 타격을 입었습니다. 올해는 그가 만든 최초의 인기 만화 캐릭터 '행운의 토끼 오스왈드'가 출판사에 기만으로 빼앗겨 회사가 거의 위기에 처할 뻔했다. 분노하고 무기력해진 디즈니는 고향인 캔자스로 돌아가는 기차에 발을 딛었습니다. 그러나 월터의 마음 속에 활기차고 귀여운 작은 생쥐가 나타난 것은 바로 이번 집으로 돌아오는 동안이었습니다. 나중에 Walter의 아내는 이 새로운 만화 캐릭터에게 "미키 마우스"라는 놀라운 이름을 부여했습니다! 세계적으로 유명해지고 전 세계 어린이들에게 사랑을 받을 만화 스타, 바로 미키 마우스입니다.
미키마우스의 등장은 확실히 디즈니에게 막대한 무형자산을 제공했다. 그러나 미키와 그의 친구들이 사랑받는 슈퍼스타가 되기 위해서는 디즈니가 여전히 새로운 제작 컨셉을 고안해야 했습니다. 새로운 컨셉의 핵심은 플롯 디자인과 지속적인 혁신에 주목하는 것입니다.
디즈니 이전에는 만화가 일반 영화에 앞서 백업 쇼로 활용됐고, 시각적 효과에만 집중하고 스토리 구성에는 크게 신경을 쓰지 않는 경우가 많았다. 디즈니의 미키마우스 시리즈는 제작 초기부터 작품의 줄거리를 세심하게 정리하여 78분짜리 짧은 영화가 잘 만들어진 그림과 어우러져 단숨에 디즈니 만화를 능가하게 되었다. 거의 모든 경쟁자.
앞선 창의적 컨셉과 더불어 혁신에 대한 감성도 디즈니의 또 다른 비장의 카드입니다. 1920년대 중후반, 영화는 무성영화 시대에 작별을 고하고, 유성영화의 등장은 영화계 전체에 일대 혁명을 일으켰다. Walter는 다가오는 변화를 예리하게 인식하고 사운드 만화를 만들기 시작했습니다. 1928년 11월 18일, 영화 역사상 오디오와 비디오가 동기화된 최초의 사운드 만화인 "증기선 윌리"가 뉴욕 콜로니얼 극장에서 초연되어 성공을 거두었습니다. 1932년 디즈니는 최초의 컬러 만화 "꽃과 나무"를 출시했습니다. 기대되는 화제에 더해, 이 작품은 디즈니의 단편 애니메이션 부문 아카데미 상도 수상했습니다. 5년 후인 1937년, 디즈니가 수년에 걸쳐 공들여 제작한 디즈니 최초의 완전 애니메이션 장편 영화 '백설공주와 일곱 난쟁이'가 개봉되었습니다. 이정표적인 의미를 지닌 획기적인 만화입니다. 그리고 이 작품의 엄청난 상업적 성공으로 인해 디즈니의 제작 계획은 장편영화쪽으로 기울어지기 시작했습니다. 그러다가 1940년에 디즈니는 "피노키오"와 "판타지아"라는 두 편의 애니메이션 장편영화를 개봉했습니다. 그 중에서도 <판타지아>는 현대 만화의 고전으로 평가받으며 개봉 이후 폭넓은 호평을 받아왔다. 계속해서 신작을 출시하는 가운데, 디즈니의 만화 스타 라인업도 꾸준히 확대되고 있으며, 미니, 플루토, 구피, 도널드 덕 등의 새로운 캐릭터도 속속 등장하고 있다. 뛰어난 작품과 만화 스타의 지속적인 등장으로 디즈니는 1940년대 초 마침내 만화 제국의 지배권을 확립했습니다.
미국 애니메이션 산업 전체에 있어 디즈니의 성공은 이를 입증하고 홍보하는 데 큰 역할을 합니다. 애니메이션 시장의 확대로 인해 수많은 새로운 애니메이션 회사들이 생겨나고 있으며 이때 할리우드는 미국은 물론 세계 애니메이션 산업의 중심지가 되었습니다. Van Beuren Studio는 이러한 새로운 애니메이션 회사 중 하나이며 뛰어난 젊은 애니메이터 그룹을 산하로 모았습니다. 1930년대 후반에 회사는 유명한 만화 시리즈 "톰과 제리"를 출시하여 성공을 거두었습니다. 또 다른 영향력 있는 애니메이션 제작 조직은 1934년 Warner Production Company가 설립한 애니메이션 부서입니다. 주요 작품으로는 "Porky and Beans", "Daffy Duck", "Bonnie Rabbit"(Bugs Bunny) 및 기타 만화 시리즈가 있습니다. 디즈니의 미키마우스처럼 그들도 유명한 만화 스타들이다.
그러나 디즈니의 눈부신 성공 속에 위기도 조용히 다가오고 있다.
디즈니는 처음 설립되었을 때 예술과 창의성을 신조로 삼아 수많은 일류 애니메이션 인재를 채용했습니다. 그러나 회사가 지속적으로 성장하고 발전함에 따라 디즈니의 예술적 스타일은 점차 고정화되었고, 관객과 시장의 요구에 부응하는 것이 프로그램 제작의 기본이자 전제가 되었습니다. 더 중요한 것은 디즈니 직원들이 회사의 번영이 기대했던 수익 성장을 가져오지 못한다고 점점 더 느꼈고, 불만이 디즈니 내부로 퍼지기 시작했다는 것입니다. 1940년대 초, 디즈니 회사에 소속된 애니메이터들은 회사의 최고 경영진과 대결하고 더 높은 급여를 위해 노력하기 위해 노조 설립을 준비하기 시작했습니다. 그러나 최고 경영진의 태도는 예상보다 강경한 듯 보였고, 이는 장기간의 '말싸움'을 촉발하기도 했다. 결국 회사의 많은 비즈니스 중추는 좌절감을 느끼고 UPA(United Productions of America)라는 파트너십을 형성했습니다.
많은 우여곡절을 겪었지만 월트 디즈니와 그의 회사는 여전히 그 시대의 확실한 승자였습니다. 오늘날의 디즈니는 세계적인 '엔터테인먼트 왕국'이 되었으며, 이는 월트의 이상과 성공이 시대를 앞서고 있음을 또 다른 관점에서 증명하기도 합니다.
전체적으로 이 기간 동안 미국 만화 산업과 애니메이션 산업 모두 큰 발전을 이루었습니다. 이러한 개발 과정에서 미국 엔터테인먼트 산업은 만화 제품을 중심으로 완전한 비즈니스 운영 시스템을 형성하여 만화 개발의 선순환을 실현했다는 점에 주목할 필요가 있습니다. 이를 바탕으로 '미국 만화'가 전 세계적으로 확장되고 과소평가할 수 없는 문화적 힘이 될 수 있었습니다.
제2차 세계대전 전후에도 유럽과 미국의 만화 제품이 여전히 세계를 점령하고 있지만 만화는 세계 만화시장의 주류이지만, 경제사회와 대중문화의 변화로 인해 세계적 규모의 만화예술 발전도 유례없는 전방위적이고 다각화된 발전 추세를 보이고 있다. 만화 산업의 새로운 물결이 떠오르고 세계를 휩쓸 것이라는 점은 부인할 수 없습니다.
미국 만화가 상업화의 길을 걷고 있는 가운데, 유럽의 만화가와 애니메이터들은 여전히 고유의 예술적 개념을 고수하고 있는 것 같습니다. 그러나 그럼에도 불구하고 이 시기의 유럽 만화는 결코 고전에 못지않다.
독일에서는 이 시기에 세계적인 영향력을 지닌 만화 거장 E.O. 브라운이 등장했다. 브라운의 원래 이름은 Erice Ossel이었고, 그는 독일 작센 지방의 외딴 마을에서 태어났습니다. 나중에 직업 변경으로 인해 Erici의 아버지는 가족을 Vogtland 산맥의 수도인 Braun으로 이사했습니다. 에리치가 필명으로 '브라운'을 사용한 이유도 이 도시에 대한 향수 때문이었다. 1921년에서 1933년 사이에 Erisi는 화가로서 수많은 만화를 출판했으며, 또한 그의 절친한 친구인 작가 Erisi Kastner의 많은 작품에 그림을 그렸습니다. 그러나 나치당이 집권하면서 독일의 사회정치적 환경은 빠르게 우경화되었습니다. 나치당의 비뚤어진 행동에 불만을 품은 에리치는 나치당을 풍자하는 만화를 그 결과 나치 지도자 요제프 괴벨스와 다른 사람들의 증오를 샀습니다. Ellisi의 만화는 한때 금지되었습니다.
이후 당시 <베를린 일러스트레이티드>에는 만화를 그릴 수 있는 화가가 필요했기 때문에 이 문제를 담당한 유명 작가이자 출판인, 편집자인 커트 쿠젠베르크 박사가 리시 오셀을 찾아냈다. , 그가 이 일을 맡을 수 있기를 바랍니다. 결국 '베를린 일러스트레이티드'의 활발한 거래로 인해 나치 당국은 에리치에 대한 금지 조치를 해제했지만 일련의 가혹한 검열 조건을 붙이고 그의 작품에 어떠한 정치적인 내용도 일체 금지했다.
그럼에도 불구하고 에리치는 1934년부터 1937년까지 200여 세트의 작품을 완성했는데, 이는 유명한 '아버지와 아들' 만화 시리즈이기도 하다. 파시즘이 만연하던 시절, 이 만화책은 인류의 오아시스와도 같았고, 잔혹한 현실에 직면한 독일 국민들에게 최고의 정신적 위로가 되어 많은 이들의 사랑을 받았습니다. "아버지와 아들"은 독일 유머의 상징으로 환영받았고, 그 인기는 빠르게 국경을 넘었습니다.
1929년 벨기에 만화가 에르제는 '틴틴의 모험' 시리즈를 만들기 시작했습니다. 그때부터 1983년 3월 Hergé가 사망할 때까지 20권이 넘는 "Tintin의 모험"이 완성되었습니다. 1986년, 에르제가 생애 완성하지 못한 마지막 작품인 『틴틴과 알파의 예술』이 출간되면서 틴틴 시리즈는 막을 내렸습니다.
비평가들은 일반적으로 Tintin 시리즈의 성공은 주요 스토리 라인과 실제 배경의 유기적 결합에 대한 작가의 완전한 관심에 기인한다고 믿습니다. 따라서 Hergé는 "만화 저널리스트"라고도 알려져 있습니다. 어쨌든 다큐멘터리 스타일과 유머러스한 창작적 요소가 결합된 땡땡 시리즈는 만화 역사상 가장 뛰어난 작품 중 하나로 자리매김했고, 이로써 에르제는 만화의 대가 반열에 들어섰다.
미국 애니메이터들이 '황금기'를 즐기고 있는 반면, 유럽 애니메이터들은 여전히 실험과 예술성의 길에 전념하고 있습니다. 이는 두 사람이 싱크로나이즈드 사운드 기술을 활용한 것에서 엿볼 수 있다. 미국에서는 캐릭터의 특성과 개성을 보여주기 위해 주로 캐릭터 음성을 사용하고, 유럽에서는 음향효과를 실험의 '재료'로 사용합니다. 실제로 유럽의 애니메이터들은 만화의 이미지와 음향 효과 간의 조화를 거의 극단적으로 받아들였습니다. 이러한 유용한 시도와 탐구는 만화의 표현기법을 크게 풍부하게 하고 애니메이션 예술의 발전과 발전을 촉진시켰습니다. 그러나 만화는 결국 높은 투자가 필요한 문화상품이기 때문에 완전한 산업체인의 지원 없이는 성공하기 어려울 것입니다. 미국 만화의 대규모 진출과 함께 유럽의 실험적 애니메이션은 점차 위축됐다.
아마도 제2차 세계대전의 발발이 유럽 애니메이션 산업에 '부활'의 기회를 주었다고 생각한 사람은 아무도 없었을 것이다. 전쟁의 영향으로 인해 원래 연결되어 있던 세계 만화 시장은 여러 조각으로 분할되었으며, 이는 객관적으로 여러 국가의 만화 산업의 독립적인 발전을 자극했습니다. 동시에 많은 국가의 정부는 만화를 전쟁 동원과 선전의 중요한 수단으로 간주하기 때문에 정부 투자를 활용하여 자국의 애니메이션 산업 발전을 지원하는 상황이 나타나기 시작했습니다.
전시 영국에서 새로 설립된 "Harrah's and Bachelard" 애니메이션 회사는 영국 당국으로부터 전쟁을 지원하기 위해 70개 이상의 애니메이션 선전 단편 영화를 제작하도록 의뢰 받았습니다. 이 단편영화는 영국 전역의 영화관과 극장에서 상영되었으며 영국 국민의 사기를 높이는 데 긍정적인 역할을 했습니다. 미국, 일본 등 참전국에서도 비슷한 '전쟁 애니메이션'이 등장한 바 있다. 전쟁이 끝난 후 만화는 더 이상 전쟁 동원의 수단으로 사용되지는 않았지만 여전히 중요한 선전 매체로서 정부와 민간 기관으로부터 광범위한 관심을 받았습니다. 만화는 매체로서 홍보, 기업 광고, 문화 교육, 심지어 정치 캠페인 등 다양한 측면에서 활용됩니다. 이로써 유럽 애니메이션 산업은 새로운 지렛대를 찾을 수 있게 됐다.
서유럽 국가들에 비해 동유럽과 구소련의 애니메이션 산업은 약간 뒤쳐져 있지만 나름의 스타일과 시스템이 있다. 알렉산더 배스킨, 브램페이지 자매 등은 모두 구소련 애니메이션 산업의 뛰어난 대표자들이다. 그 중 브램페이지 자매는 1925년 '차이니즈 온 파이어'(중국어 온 파이어)를 완성해 중국 관객들에게 더욱 잘 알려져 있다. 일부 서구 비평가들은 러시아 만화가 너무 고정관념적이라고 생각하지만, 전체적으로 구소련의 애니메이터들은 자국의 풍부한 문화유산에서 우수한 자료를 많이 발굴하고 뛰어난 애니메이션 작품을 많이 제작해 왔습니다.
미국으로 돌아가자. '황금시대' 말기에 등장한 다양한 스타일은 미국의 신세대 만화가들에 의해 계승되어 수많은 훌륭한 만화가 탄생했습니다.
1950년 10월 2일, 미국의 유명한 만화가 찰스 슐츠는 그의 "피너츠" 만화 시리즈(PEANUTS)를 출판하기 시작했습니다. 이후 50년 동안 피너츠 시리즈는 21개 언어로 번역되고 75개국 2,600개 이상의 신문에 게재되는 등 전례 없는 성공을 거두었습니다. 만화의 주인공인 강아지 '스누피'는 '전 세계 3억 5천만 명의 충실한 독자'를 보유한 슈퍼 만화 스타가 되었습니다. "피너츠"의 출현은 미국 만화 산업에 새로운 세력의 등장을 의미했습니다. 비슷한 성공 사례로는 Jim Davis와 그의 "Garfield" 시리즈가 있습니다.
시간이 지남에 따라 '바이스만 사건'의 영향은 점차 사라지고 슈퍼 히어로 이야기가 미국 생활로 돌아오기 시작합니다. 1956년 쇼(Show) 매거진 4호에서는 차세대 "플래시(The Flash)"가 등장하며 슈퍼히어로의 귀환을 알렸습니다.
이후 '황금시대'의 영웅 대부분이 다시 세상에 돌아왔고, 1962년 데뷔한 '스파이더맨', 1974년 데뷔한 '울프맨' 등 새로운 세대의 슈퍼히어로들이 계속해서 등장했다. (WOLERINE), 1990년대 초반 '고스트 라이더'(GHOST RIDER)의 등장 등이 있다. 그러나 새로운 시대의 슈퍼히어로들은 결코 예전의 영광을 되찾을 수 없을 것 같다. 결국 '황금시대'는 역사가 되었고, 영웅을 향한 사람들의 열망은 점차 시들어갔다.
이 기간 동안 미국 만화 산업 발전의 또 다른 두드러진 징후는 사업 수익 모델의 통합이었습니다. 1930~40년대 미국 만화산업은 당초 '만화 작가 → 출판사 → 유통망(전문점 포함) → 독자'라는 사업 운영 모델을 형성했다. 전쟁 후 기본적으로 이 운영 모델에는 큰 변화가 없었습니다. 차이점은 판매 네트워크의 규모와 독자층의 범위가 크게 확대되었다는 것입니다. 그리고 원래 만화 판매에 참여하지 않았던 일부 일반 서점도 만화 유통에 참여하기 시작했습니다.
현재 미국 만화 산업의 연간 생산액은 약 23억 달러에 이르지만, 절대 규모는 여전히 제한적이지만 이윤폭은 상당합니다. 미국 최대의 만화 출판사인 마블 코믹스 출판사(Marvel)를 예로 들어보자. 이 출판사의 2000회계연도 총 매출은 2억 3100만 위안이었지만 회계연도 기준으로 총 순이익은 8890만 달러에 달했다. 전체 매출의 38.9%를 차지합니다. 만화저널과 도서출판 외에 만화 주변제품 개발, 지적재산권(이미지 라이센스) 재개발도 미국 만화업계의 새로운 수익 성장 포인트로 떠오르고 있다.
전후 미국 애니메이션 산업에서 디즈니의 지배력은 여전히 독보적이었다. 1950년대에 걸쳐 디즈니 컴퍼니는 '신데렐라', '이상한 나라의 앨리스', '피터팬' 등 요정을 주제로 한 작품을 잇달아 출시해 디즈니 애니메이션의 명성을 이어갔을 뿐만 아니라 좋은 흥행 성과도 거뒀다. 그러나 디즈니는 성공을 거두지 못하고 계속해서 탐구하고 혁신했습니다. 완전 실사 퍼포먼스인 '보물섬', 현실 사회를 애니메이션 배경으로 한 '레이디와 트램프', 동물 캐릭터를 주인공으로 한 '101독스', '인 더 스톤' 등을 연달아 론칭했다. Sword' 등의 전설을 각색한 것입니다. 1964년 디즈니는 실사와 애니메이션을 결합한 영화 "메리 포핀스"를 개봉하여 그 해 오스카상 13개 부문 후보에 올랐습니다. 이 모든 것은 디즈니가 여전히 뛰어난 혁신 역량을 갖춘 애니메이션 회사임을 보여줍니다.
월터는 애니메이션 분야에서 성공을 거두면서 과감하게 회사를 놀이공원 산업으로 이끌었다. 1955년 월트는 서부 해안의 로스앤젤레스에 세계 최초의 테마파크인 디즈니랜드를 건설했습니다. 오늘날 전 세계에 흩어져 있는 디즈니 공원은 전 세계 만화를 사랑하는 사람들의 마음 속에 영원한 천국이 되었습니다.
디즈니와 같은 기존 애니메이션 회사들이 전통적인 애니메이션 개념을 고수하는 반면, UPA로 대표되는 소규모 애니메이션 회사들은 '한정 애니메이션' 제작 개념을 실험하기 시작했습니다. 그들은 더 이상 디즈니 만화처럼 고비용, 대규모의 화려한 장면을 추구하지 않고, 대신 저비용 제작 전략을 채택하고 정교한 스토리라인 디자인과 음향 효과를 통해 시각적 결함을 보완한다. 이 아방가르드 개념은 가치가 있음이 밝혀졌습니다. 특히 텔레비전이 새로운 대중매체로 부상하면서 원래 영화관에서 상영되었던 만화도 다른 영화와 마찬가지로 큰 충격을 받았다. "한정 애니메이션"이라는 개념으로 만화는 점차 TV 프로그램의 방송 요구 사항에 적응하기 시작했으며 이후 주요 TV 방송국의 시청률 경쟁을 위한 비장의 카드 프로그램이 되었습니다. TV 만화 시장이 확대되면서 거의 모든 애니메이션 회사들이 TV 애니메이션 제작에 주력을 돌리게 되었고, TV 속 애니메이션 세계는 더욱 다채로워졌습니다.
20세기 말 컴퓨터 멀티미디어 기술의 등장과 함께 만화의 제작과 제작은 새로운 혁명을 맞이하게 된다.
디즈니는 안데르센의 동화를 원작으로 한 '인어공주'(1990), '천일야화'(1992) 등 대규모 애니메이션 블록버스터 시리즈를 출시하며 다시 한번 신기술의 트렌드세터 역할을 했습니다. ), 셰익스피어의 명작을 원작으로 한 <라이온 킹>(1994), 북미 초기 식민지 생활을 반영한 <포카혼타스>(1995), 최초의 완전 제작 애니메이션 <토이 스토리> 등이 있다. 디지털 기술 등을 활용하여 . 이러한 애니메이션 블록버스터의 출시는 새로운 기술을 활용하는 디즈니의 능력을 반영할 뿐만 아니라 "극장 전통"의 복귀를 촉발합니다. 사람들은 더 이상 집에서 TV를 시청하지 않고 극장에서 만화를 보기 위해 티켓을 구입합니다. 이는 가장 중요한 애니메이션 매체로서 텔레비전이 영화를 대체한 이후 한번도 일어나지 않은 현상이다. 한편, '드림웍스'로 대표되는 업계 신인들도 점차 디즈니와의 경쟁에 나서며 전 세계 만화팬들에게 절묘한 '애니메이션의 향연'을 계속 제공하고 있다.